Sam Yahel, Ari Hoenig, Mike Moreno, Seamus Blake • Jazz Side Of The Moon Music Of Pink Floyd

 

Editorial Review:
Organist Sam Yahel, trumpeter Seamus Blake, guitarist Mike Moreno and drummer Ari Hoenig perform jazz interpretations of music from the seminal Pink Floyd album, 'Dark Side Of The Moon.' They achieve the seemingly-impossible as they evoke both the thematic spirit of the original recording and its sonic effects, while maintaining the overall conceptual arc and metaphysical implications of Pink Floyd's suite of songs. The result is remarkably powerful both as a jazz combo statement and as a purist, bare-bones audiophile recording - all the while reasserting the grace, power and musical nuance of the original materials. Personnel: Sam Yahel - (Hammond B-3 organ), Mike Moreno - (electric & acoustic guitars), Ari Hoenig - (drums), Seamus Blake - (tenor saxophone)

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Reseña editorial:
El organista Sam Yahel, el trompetista Seamus Blake, el guitarrista Mike Moreno y el batería Ari Hoenig interpretan en clave de jazz la música del álbum seminal de Pink Floyd, 'Dark Side Of The Moon'. Logran lo aparentemente imposible al evocar tanto el espíritu temático de la grabación original como sus efectos sonoros, manteniendo al mismo tiempo el arco conceptual general y las implicaciones metafísicas del conjunto de canciones de Pink Floyd. El resultado es extraordinariamente potente como declaración de un combo de jazz y como grabación purista y audiófila, al tiempo que reafirma la gracia, el poder y los matices musicales del material original. Personal: Sam Yahel - (órgano Hammond B-3), Mike Moreno - (guitarras eléctrica y acústica), Ari Hoenig - (batería), Seamus Blake - (saxo tenor)

www.samyahel.com ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Eric Dolphy • The Illinois Concert

 

Review by Ken Dryden
The 1999 discovery of a previously unknown 1963 concert by Eric Dolphy makes it one of the finds of the decade. Taped for broadcast at the University of Illinois at Champaign, it was mentioned in an Eric Dolphy Internet chat room and eventually relayed to producer Michael Cuscuna. The sound is very good, except for overly prominent drums throughout the concert and an under-miked flute on "South Street Exit." Dolphy's playing is consistently rewarding, including a lengthy workout of "Softly, As in a Morning Sunrise," a miniature of "Something Sweet, Something Tender," and his always superb solo feature of "God Bless the Child." He switches to alto sax for an adventurous new work, "Iron Man" (which he would record a few months later for Douglas International), also inserting a hilarious quote of "Comin' Through the Rye." A 23-year-old Herbie Hancock on piano, Eddie Locke on bass, and drummer J. C. Moses make up the solid rhythm section. The last two tracks, "Red Planet" and Dolphy's "G.W.," add the support of the University of Illinois Brass Ensemble, which included a young Cecil Bridgewater on trumpet. Highly recommended!-
https://www.allmusic.com/album/the-illinois-concert-mw0000669489

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Reseña de Ken Dryden
El descubrimiento en 1999 de un concierto de Eric Dolphy en 1963 previamente desconocido lo convierte en uno de los hallazgos de la década. Grabado para su transmisión en la Universidad de Illinois en Champaign, fue mencionado en una sala de chat de Eric Dolphy en Internet y finalmente transmitido al productor Michael Cuscuna. El sonido es muy bueno, excepto por los tambores excesivamente prominentes durante todo el concierto y una flauta con micrófono bajo en " South Street Exit."La interpretación de Dolphy es consistentemente gratificante, incluido un largo entrenamiento de 'Suavemente, Como en un Amanecer Matutino', una miniatura de 'Algo Dulce, Algo Tierno' y su siempre excelente característica en solitario de 'Dios Bendiga al Niño'."Cambia al saxo alto por un nuevo trabajo aventurero," Iron Man "(que grabaría unos meses después para Douglas International), insertando también una cita hilarante de "Comin' Through the Rye."Un Herbie Hancock de 23 años al piano, Eddie Locke al bajo y el baterista J.C. Moses componen la sólida sección rítmica. Las dos últimas pistas," Red Planet " y "G. W." de Dolphy, cuentan con el apoyo del Conjunto de Metales de la Universidad de Illinois, que incluía a un joven Cecil Bridgewater a la trompeta. Muy recomendable!-
https://www.allmusic.com/album/the-illinois-concert-mw0000669489

Bill Evans • At The Montreux Jazz Festival

 

Review by Rovi Staff  

Bill Evans' 1968 release, At the Montreux Jazz Festival, marks the beginning of stylistic changes for the legendary pianist. Only one year earlier, his At Town Hall release found his approach generally more introspective and brooding. In contrast, this set is more lively, playful, and experimental. Much of this is down to the active and intense drumming of Jack DeJohnette, who had joined the trio only a short time before this concert was recorded; longtime bandmate Eddie Gomez is also featured on this album. His energetic soloing adds veracity to tunes such as "Embraceable You" and "A Sleeping Bee." DeJohnette, too, is given several opportunities to display his drumming skills. His lengthy solo on "Nardis" displays his technical prowess and four-way coordination; such acumen would later cause jazz fans and critics alike to hail DeJohnette as one of the world's premier jazz drummers. Evans, famous for a soft-spoken pianistic touch, seems driven to new vistas on this album. He experiments more with harmonic dissonance and striking rhythmical contrasts, making this his most extroverted playing since his freshman release, New Jazz Conceptions.

https://www.allmusic.com/album/at-the-montreux-jazz-festival-mw0000652751

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Revisión por el personal de Rovi  
El lanzamiento de Bill Evans en 1968, At the Montreux Jazz Festival, marca el comienzo de los cambios estilísticos para el legendario pianista. Sólo un año antes, su lanzamiento en el Ayuntamiento encontró su enfoque en general más introspectivo y melancólico. En contraste, este conjunto es más animado, juguetón y experimental. Gran parte de esto se debe a la activa e intensa batería de Jack DeJohnette, que se había unido al trío poco antes de que se grabara este concierto; su antiguo compañero de banda Eddie Gómez también aparece en este álbum. Sus enérgicos solos añaden veracidad a temas como "Embraceable You" y "A Sleeping Bee". A DeJohnette también se le dan varias oportunidades para mostrar sus habilidades como baterista. Su largo solo en "Nardis" muestra su destreza técnica y su coordinación en cuatro direcciones; tal perspicacia haría que más tarde los aficionados y críticos de jazz aclamaran a DeJohnette como uno de los principales bateristas de jazz del mundo. Evans, famoso por su suave toque pianístico, parece que se ha visto impulsado a nuevas perspectivas en este álbum. Experimenta más con la disonancia armónica y los sorprendentes contrastes rítmicos, lo que hace que sea su forma de tocar más extrovertida desde su primer lanzamiento, New Jazz Conceptions.
https://www.allmusic.com/album/at-the-montreux-jazz-festival-mw0000652751

 

 

 

billevansofficial.com ...

 

 

Hank Jacobs • East side [single]

 

Abbey Lincoln, Archie Shepp, Roy Burrowes, Hilton Ruiz, Freddie Waits, Jack Gregg • Painted Lady

 

 

The American vocalist and actress Abbey Lincoln first gained recognition in the 1950s under the name Gaby Lee as a pop singer and film actress (The Girl Can't Help It). In the late 1950s, she married drummer Max Roach and participated with him in several important recordings with Sonny Rollins, Coleman Hawkins, Benny Golson, and others. It was the fabulous "Freedom Now Suite," recorded in 1960 with Max Roach, that made her famous with the general public. Twenty years later, associated with another great African-American dissident, saxophonist Archie Shepp, in Paris, she created this historic album for the Marge label, one of the most beautiful meetings between two legendary figures of contemporary jazz. 

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La vocalista y actriz estadounidense Abbey Lincoln se dio a conocer en la década de 1950 bajo el nombre de Gaby Lee como cantante pop y actriz de cine (The Girl Can't Help It). A finales de los 50, se casó con el batería Max Roach y participó con él en varias grabaciones importantes con Sonny Rollins, Coleman Hawkins, Benny Golson y otros. Fue la fabulosa "Freedom Now Suite", grabada en 1960 con Max Roach, la que la hizo famosa entre el gran público. Veinte años más tarde, asociada en París con otro gran disidente afroamericano, el saxofonista Archie Shepp, creó este álbum histórico para el sello Marge, uno de los más bellos encuentros entre dos figuras legendarias del jazz contemporáneo.

John Blake • Quest

The best moments on violinist John Blake's 1992 release are the two selections that feature his former boss, Grover Washington Jr., on soprano. Washington swings hard on an overly brief version of "Moment's Notice" and plays soulfully on "Val's Blues." Other selections have Blake and his rhythm section (with pianist Joey Calderazzo, bassist Charles Fambrough, drummer Ben Riley, and percussionist Omar Hill) joined by Joe Ford on soprano and mostly playing melodic group originals. The one exception is Charlie Chaplin's "Smile," which features some lyrical violin from the talented if underrated Blake.

Scott Yanow, All Music Guide

https://www.allmusic.com/album/quest-mw0000098830

Artist Biography by Scott Yanow

Throughout his career, John Blake veered back and forth between R&B-ish sets and more adventurous dates. A pleasing if not overly distinctive violinist, the versatile Blake played in a wide variety of settings. After advanced classical study, he first gained recognition for his early-'70s recordings with Archie Shepp. During the next decade, Blake recorded with McCoy Tyner, James Newton, Cecil McBee, Jay Hoggard, and Grover Washington, Jr., touring extensively with Tyner and Washington. He made a series of generally interesting, if diverse, sets for Gramavision in the 1980s (including a fascinating 1986 date with fellow violinists Michal Urbaniak and Didier Lockwood) and one CD for Sunnyside in 1992, showing a lot of potential. Striken with multiple myeloma, Blake died in August 2014 at the age of 67.

https://www.allmusic.com/artist/john-blake-mn0000181924/biography

John Blake, Jr. has been one of the world’s leading jazz violinists for over four decades. A four-time winner of the Down Beat Critics’ Poll Violinist Deserving Wider Recognition category he was also one of the top two jazz violinists in the 49th, 50th, and 51st Down Beat Readers’ Poll, Classically trained, Blake first gained recognition on early-'70s recordings he made with Archie Shepp and in the mid-70s became established with a global audience during three years recording and touring as a member of Grover Washington, Jr.’s popular “crossover” jazz band. He then spent five years working extensively as a member of various ensembles led by pianist McCoy. Among other artists with whom Blake has performed and/or recorded with are the Duke Ellington Orchestra, Turtle Island String Quartet, Quartet Indigo, the Steve Turre Sextet, the Billy Taylor Trio, Avery Sharpe, Cecil McBee, Jay Hoggard and James Newton. Blake released his recording debut as a leader and composer, Maiden Dance, in 1984, the first of five well-received projects on Gramavision Records including one that teamed him up with fellow jazz violinists Michal Urbaniak and Didier Lockwood. He released his sixth album, Quest that reunited him with Grover Washington and featured Joe Ford, Charles Fambrough, Ben Riley, Omar Hill, Joey Calderazzo, on Sunnyside Records 1992. Blake’s first recording with his current quartet, The Traveler, was released in 2007.

Born in Philadelphia on July 3, 1947, Blake began studying violin in that city’s public school system and at the Settlement Music School. After graduating from West Virginia University he did postgraduate work at the Institute for Advanced Studies in Montreux, Switzerland and received a grant to study studied East Indian music. In addition to his work as an instrumentalist performing with his quartet and as a featured guest soloist at concerts and on studio sessions, Blake is also an accomplished composer, arranger and producer as well as an author, teacher and lecturer who presents hundreds of workshops annually to musicians at all levels. He co-wrote with Suzuki educator Jody Harmon J.I.M.E., the definitive beginning string jazz method book and CD in use around the world. In addition to lecturing on campuses throughout the US, Blake is on the faculty of the University of the Arts in Philadelphia and at the Manhattan School of Music in New York City, and has been a guest lecturer at Berklee College of Music in Boston. In 2004 he was appointed to the Basler Chair of Excellence for the winter semester at East Tennessee State University and that year also was awarded a Chamber Music America Jazz Composer Grant.

https://musicians.allaboutjazz.com/johnblake

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 Los mejores momentos del estreno del violinista John Blake en 1992 son las dos selecciones que presentan a su ex jefe, Grover Washington Jr. en soprano. Washington se mueve con fuerza en una versión demasiado breve de "Moment's Notice" y juega con el alma en "Val's Blues". Otras selecciones tienen a Blake y su sección rítmica (con el pianista Joey Calderazzo, el bajista Charles Fambrough, el baterista Ben Riley, y el percusionista Omar Hill) a los que se unió Joe Ford en soprano y que en su mayoría tocaba en grupos melódicos originales. La única excepción es "Smile", de Charlie Chaplin, que presenta un violín lírico del talentoso, aunque subestimado, Blake.

Scott Yanow, Guía de Música

https://www.allmusic.com/album/quest-mw0000098830

Biografía del artista por Scott Yanow

A lo largo de su carrera, John Blake se movió de un lado a otro entre sets de R&B y fechas más aventureras. Un violinista agradable, si no excesivamente distintivo, el versátil Blake tocaba en una amplia variedad de escenarios. Después de estudios clásicos avanzados, primero obtuvo reconocimiento por sus grabaciones de principios de los 70 con Archie Shepp. Durante la siguiente década, Blake grabó con McCoy Tyner, James Newton, Cecil McBee, Jay Hoggard y Grover Washington, Jr. y realizó numerosas giras con Tyner y Washington. Hizo una serie de sets generalmente interesantes, aunque diversos, para Gramavision en los años 80 (incluyendo una fascinante cita en 1986 con sus compañeros violinistas Michal Urbaniak y Didier Lockwood) y un CD para Sunnyside en 1992, mostrando mucho potencial. Ataque de mieloma múltiple, Blake murió en agosto de 2014 a la edad de 67 años.

https://www.allmusic.com/artist/john-blake-mn0000181924/biography

John Blake, Jr. ha sido uno de los principales violinistas de jazz del mundo durante más de cuatro décadas. Ganador en cuatro ocasiones de la categoría Down Beat Critics' Poll Violinist Mering Wider Recognition, también fue uno de los dos mejores violinistas de jazz en la 49ª, 50ª y 51ª Down Beat Readers' Poll, con formación clásica, Blake obtuvo por primera vez el reconocimiento en grabaciones de principios de los 70 que realizó con Archie Shepp y a mediados de la década de los 70 se estableció con una audiencia global durante tres años grabando y realizando giras como miembro de la popular banda de jazz "crossover" de Grover Washington, Jr. Luego pasó cinco años trabajando extensamente como miembro de varios conjuntos dirigidos por el pianista McCoy. Entre otros artistas con los que Blake ha tocado y/o grabado se encuentran la Duke Ellington Orchestra, Turtle Island String Quartet, Quartet Indigo, Steve Turre Sextet, Billy Taylor Trio, Avery Sharpe, Cecil McBee, Jay Hoggard y James Newton. Blake lanzó su debut discográfico como líder y compositor, Maiden Dance, en 1984, el primero de cinco proyectos bien recibidos en Gramavision Records, incluyendo uno que lo unió a sus colegas violinistas de jazz Michal Urbaniak y Didier Lockwood. Publicó su sexto álbum, Quest, que lo reunió con Grover Washington e incluyó a Joe Ford, Charles Fambrough, Ben Riley, Omar Hill, Joey Calderazzo, en Sunnyside Records 1992. La primera grabación de Blake con su cuarteto actual, The Traveler, fue lanzada en 2007.

Nacido en Filadelfia el 3 de julio de 1947, Blake comenzó a estudiar violín en el sistema de escuelas públicas de esa ciudad y en la Escuela de Música de la Colonia. Después de graduarse de la Universidad de West Virginia, realizó un trabajo de postgrado en el Instituto de Estudios Avanzados de Montreux, Suiza, y recibió una beca para estudiar música de las Indias Orientales. Además de su trabajo como instrumentista tocando con su cuarteto y como solista invitado en conciertos y sesiones de estudio, Blake también es un compositor, arreglista y productor consumado, así como autor, profesor y conferenciante que presenta cientos de talleres anualmente a músicos de todos los niveles. Escribió junto con la educadora Suzuki Jody Harmon J.I.M.E., el libro y CD de método de jazz de cuerda definitivo para principiantes que se usa en todo el mundo. Además de impartir clases en campus de todo Estados Unidos, Blake es miembro del cuerpo docente de la University of the Arts de Filadelfia y de la Manhattan School of Music de la ciudad de Nueva York, y ha sido profesor invitado en el Berklee College of Music de Boston. En 2004 fue nombrado a la Cátedra Basler de Excelencia para el semestre de invierno en la East Tennessee State University y ese año también recibió una beca Chamber Music America Jazz Composer Grant.

https://musicians.allaboutjazz.com/johnblake

Dexter Gordon • Clubhouse

 

Review by Scott Yanow
Although tenor saxophonist Dexter Gordon had moved to Europe in 1962, he made a return visit to the U.S. in 1965 that resulted in both this album and Gettin' Around. Gordon teams up with trumpeter Freddie Hubbard, pianist Barry Harris, bassist Bob Cranshaw and drummer Billy Higgins for three of his originals, two obscurities, and a standard that ended up being the date's most memorable performance: "I'm a Fool to Want You." It is excellent music if not quite essential.
https://www.allmusic.com/album/clubhouse-mw0000204481


One of the enduring mysteries of Blue Note history is that superb sessions such as Dexter Gordon’s Clubhouse (recorded in 1965) remained unreleased in the vault until the late 1970s. Recorded during the middle of Gordon’s “golden period” career renaissance after he signed with Blue Note in 1961, the tenor saxophone legend is joined by Freddie Hubbard on trumpet and the remarkable rhythm section of Barry Harris on piano, Bob Cranshaw on bass, and the great Billy Higgins on drums. Long Tall Dexter’s rendition of the Sinatra evergreen “I’m a Fool To Want You” stands as one of his all-time greatest ballad performances.
https://store.bluenote.com/products/dexter-gordon-clubhouse-lp-tone-poet-series

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Reseña de Scott Yanow
Aunque el saxofonista tenor Dexter Gordon se había mudado a Europa en 1962, hizo una visita de regreso a los EE.UU. en 1965 que resultó tanto en este álbum como en Gettin' Around. Gordon se une al trompetista Freddie Hubbard, al pianista Barry Harris, al bajista Bob Cranshaw y al baterista Billy Higgins para tres de sus originales, dos obscuridades y un estándar que terminó siendo la actuación más memorable de la cita: "Soy un tonto por Quererte."Es una música excelente, si no del todo esencial.
https://www.allmusic.com/album/clubhouse-mw0000204481


Uno de los misterios perdurables de la historia de Blue Note es que sesiones magníficas como Dexter Gordon's Clubhouse (grabada en 1965) permanecieron inéditas en la bóveda hasta finales de la década de 1970. Grabada durante la mitad del renacimiento de la carrera del "período dorado" de Gordon después de firmar con Blue Note en 1961, la leyenda del saxofón tenor se une a Freddie Hubbard a la trompeta y la notable sección rítmica de Barry Harris al piano, Bob Cranshaw al bajo y el gran Billy Higgins a la batería. La interpretación de Long Tall Dexter de la perenne "I'm a Fool To Want You" de Sinatra se erige como una de sus mejores interpretaciones de baladas de todos los tiempos.
https://store.bluenote.com/products/dexter-gordon-clubhouse-lp-tone-poet-series

Con Alma Trio • Con Alma Trio Meets Jerry Bergonzi

 

The Hammond organ, is enjoying a new successful season and certainly Vito di Modugno is among the best Hammondisti in circulation, remembering that was voted as one of the best organists in the world by the American magazine “Downbeat” which the italian jazz magazine “Music Jazz “has included him among specialists of Hammond organ in the insert and cD dedicated to the history of this instrument Di Modugno was constantly winner in 2011, 2012 and 2014,2015 Jazzit Award as best Italian organist. Not to be outdone its coaleaders travel,Guido Di Leone and Mimmo Campanale, among the main protagonists and disseminators of the national jazz scene. Jerry Bergonzi is a worldwide reference point of the saxophone.

“Swing smooth and without fuss” as Nicholas Gaeta writes in the liner notes, summing up one of the peculiarities of this record. With Alma trio comes back 15 years after the first job (branded YVP). Three of the best musicians of the peninsular landscape blend their soul with that of the American saxophonist Jerry Bergonzi, certainly among the supermusician of the international scene, creating an inventive project, with swing, dazzling technique and desire to have fun, an element that the latter while appearing not to go out of fashion is actually often crucial to convey that feeling which belongs mostly to jazz of the past and that we feel the need to recover. So a high-quality recording operation, which, we are sure,will be one of the best Italian publications of the currently.
https://www.abeatrecords.com/music/shop/con-alma-trio-meets-jerry-bergonzi/

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El órgano Hammond, está disfrutando de una nueva temporada exitosa y ciertamente Vito di Modugno se encuentra entre los mejores Hammondisti en circulación, recordando que fue votado como uno de los mejores organistas del mundo por la revista estadounidense "Downbeat", que la revista italiana de jazz "Music Jazz "lo ha incluido entre los especialistas del órgano Hammond en el inserto y cD dedicado a la historia de este instrumento.Di Modugno fue constantemente ganador en 2011, 2012 y 2014,2015 Premio Jazzit como mejor organista italiano. Para no quedarse atrás viajan sus coaligados, Guido Di Leone y Mimmo Campanale, entre los principales protagonistas y divulgadores de la escena jazzística nacional. Jerry Bergonzi es un referente mundial del saxofón.

"Swing suave y sin aspavientos" como escribe Nicholas Gaeta en las notas del transatlántico, resumiendo una de las peculiaridades de este disco. Con Alma trio regresa 15 años después del primer trabajo (con la marca YVP). Tres de los mejores músicos del paisaje peninsular mezclan su alma con la del saxofonista estadounidense Jerry Bergonzi, ciertamente entre los supermúsicos de la escena internacional, creando un proyecto inventivo, con swing, técnica deslumbrante y ganas de divertirse, elemento que este último aunque parezca no pasar de moda en realidad suele ser crucial para transmitir ese sentimiento que pertenece mayoritariamente al jazz del pasado y que sentimos la necesidad de recuperar. Así que una operación de grabación de alta calidad, que, estamos seguros, será una de las mejores publicaciones italianas de la actualidad.
https://www.abeatrecords.com/music/shop/con-alma-trio-meets-jerry-bergonzi/


 

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Horacio Chivo Borraro • El nuevo sonido del Chivo Borraro

 

 

Horacio “Chivo” Borraro fue una de las figuras fundamentales del jazz moderno argentino. Nacido en Buenos Aires el 6 de octubre de 1921, comenzó su trayectoria musical como clarinetista y posteriormente adoptó el saxo tenor, instrumento con el que desarrollaría una voz personal dentro del jazz argentino. Su formación estuvo vinculada desde temprano al ambiente de los clubes de barrio y a la búsqueda de un jazz que se apartara de la función exclusivamente bailable.

Durante los años cuarenta integró los Rhythm Makers, agrupación vinculada al jazz de Chicago y a una concepción más pura y experimental de la improvisación. También participó del Hot Club de Buenos Aires y, en 1954, se incorporó a la primera gran orquesta dirigida por Lalo Schifrin. A partir de entonces formó parte del proceso de renovación que llevaría al jazz argentino hacia el bebop, el hard bop y las formas modernas de improvisación.

Borraro no fue solamente intérprete. Además de saxofonista y clarinetista, fue compositor, arreglador, arquitecto, pintor, dibujante, fotógrafo y escritor. Esa amplitud de intereses contribuyó a construir una personalidad artística singular, alejada de los modelos convencionales del músico profesional. Melopea publicó posteriormente su libro Autobiografía de Nadie, acompañado por un CD que recupera grabaciones de Borraro tanto al clarinete como al saxo tenor.

Su evolución musical puede seguirse especialmente a través de sus grabaciones de los años sesenta y setenta. El Nuevo Sonido del “Chivo” Borraro, registrado originalmente en 1966, documenta su madurez como saxofonista y su aproximación a un lenguaje moderno que incorporaba influencias del bebop y del hard bop. Décadas después, Blues para un Cosmonauta y Sax Suite permitirían recuperar otras facetas de su producción y de su particular concepción de la improvisación.

Su actividad también estuvo ligada a numerosos músicos esenciales del jazz argentino. Compartió escenarios y sesiones con figuras como Horacio Malvicino, Lalo Schifrin, Leandro “Gato” Barbieri, Néstor Astarita y Enrique “Mono” Villegas, y participó en encuentros con importantes músicos estadounidenses que visitaron Argentina, entre ellos Dizzy Gillespie y Eddie “Lockjaw” Davis.

Una característica particularmente destacada de Borraro fue su relación con la improvisación. Litto Nebbia, que lo conoció y posteriormente recuperó parte de su obra a través de Melopea, recordó su sonido personal y su extraordinaria capacidad como improvisador, además de describirlo como una persona humilde, amistosa y de gran sentido del humor. Para Nebbia, la importancia de Borraro no se limitaba a sus discos: también estaba en la experiencia de escucharlo tocar en vivo.

Su reconocimiento trascendió con el tiempo las fronteras argentinas. El músico brasileño Ed Motta descubrió su obra décadas después y destacó especialmente El Nuevo Sonido del “Chivo” Borraro, al que llegó a comparar con Kind of Blue dentro de la historia del jazz argentino. La reedición internacional de algunas de sus grabaciones contribuyó a que su música alcanzara nuevas audiencias fuera del país.

Borraro murió en Buenos Aires el 31 de mayo de 2012, a los 90 años. Su legado quedó repartido entre sus grabaciones, sus composiciones, sus escritos y, sobre todo, una manera de entender el jazz basada en la libertad de la improvisación y en la búsqueda permanente de una voz propia. Su trayectoria representa una de las páginas más personales y singulares de la historia del jazz argentino.

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Horacio “Chivo” Borraro was one of the fundamental figures of modern Argentine jazz. Born in Buenos Aires on October 6, 1921, he began his musical career as a clarinetist and later turned to the tenor saxophone, the instrument through which he developed a highly personal voice within Argentine jazz. From an early age, his musical development was connected with neighborhood clubs and with the search for a form of jazz that went beyond its purely dance-oriented function.

During the 1940s he became a member of the Rhythm Makers, a group associated with Chicago jazz and with a more experimental and improvisation-centered conception of the music. He also participated in the Buenos Aires Hot Club and, in 1954, joined the first major orchestra led by Lalo Schifrin. From that point onward, he became part of the renewal that brought Argentine jazz toward bebop, hard bop and modern improvisational language.

Borraro was much more than an instrumentalist. In addition to being a saxophonist and clarinetist, he was a composer, arranger, architect, painter, draftsman, photographer and writer. This broad range of interests helped shape an unusual artistic personality, far removed from conventional ideas of the professional musician. His book Autobiografía de Nadie, later published by Melopea with a CD of archival recordings, preserves performances on both clarinet and tenor saxophone.

His musical development can be followed particularly well through his recordings from the 1960s and 1970s. El Nuevo Sonido del “Chivo” Borraro, originally recorded in 1966, documents his maturity as a saxophonist and his movement toward a modern language influenced by bebop and hard bop. Later releases such as Blues para un Cosmonauta and Sax Suite revealed further aspects of his work and his distinctive approach to improvisation.

His career was closely connected with many of the essential musicians of Argentine jazz. He performed and recorded with figures such as Horacio Malvicino, Lalo Schifrin, Leandro “Gato” Barbieri, Néstor Astarita and Enrique “Mono” Villegas, and took part in sessions with major American musicians visiting Argentina, including Dizzy Gillespie and Eddie “Lockjaw” Davis.

One of Borraro's most distinctive qualities was his relationship with improvisation. Litto Nebbia, who knew him personally and later helped preserve his work through Melopea, remembered his individual sound and extraordinary improvisational ability, as well as his humility, friendliness and sense of humor. For Nebbia, Borraro's importance extended beyond his recordings: it was also found in the experience of hearing him perform live.

His reputation eventually reached audiences beyond Argentina. Brazilian musician Ed Motta discovered his work decades later and singled out El Nuevo Sonido del “Chivo” Borraro, comparing its importance within Argentine jazz to that of Kind of Blue in American jazz. The international reissue of some of his recordings subsequently helped introduce his music to new listeners around the world.

Borraro died in Buenos Aires on May 31, 2012, at the age of 90. His legacy survives in his recordings, compositions and writings, but above all in a conception of jazz founded on the freedom of improvisation and the continuous search for an individual voice. His career remains one of the most personal and distinctive chapters in the history of Argentine jazz.

Ray Draper Quintet • Tuba Sounds

 

 

Review from All About Jazz (by Derek Taylor): The tunes on the date are a well-chosen mix of originals with a single standard thrown in as a nod to tradition. Draper’s potbellied horn is surprisingly agile on the changes, particularly on his own numbers “Jackie’s Dolly” and “Mimi’s Interlude.” Plump and viscous, it’s a sound that skates along the bedrock of the bass register while still managing to fire off quick salvos of notes. Young stays fairly understated, but still chimes in occasionally with fine solos, as on the latter composition and some intriguing exchanges, as on the opening “Terry Anne.” McLean’s devilish alto, brimming with youthful bravado, routinely dances rings around the leader’s fleshy figures. The rhythm section is usually relegated to its regular chores, but Waldron finds space both for a tune and several solo breaks. https://www.allaboutjazz.com/tuba-sounds-ray-draper-prestige-records-review-by-derek-taylor

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Resena de All About Jazz (por Derek Taylor): Los temas de esta sesion presentan una mezcla bien elegida de composiciones originales con un unico standard incluido como reconocimiento a la tradicion. La tuba de Draper resulta sorprendentemente agil sobre los cambios, particularmente en sus propios temas “Jackie's Dolly” y “Mimi's Interlude”. Su sonido es pleno y viscoso, deslizandose sobre los cimientos del registro grave mientras lanza rapidas rafagas de notas. Young se mantiene bastante contenido, aunque interviene ocasionalmente con buenos solos, como en esta ultima composicion, y con algunos intercambios interesantes, como en el tema inicial “Terry Anne”. El saxo alto de McLean, lleno de impetu juvenil, suele superar con soltura las figuras de Draper. La seccion ritmica normalmente se limita a su funcion habitual, aunque Waldron encuentra espacio para un tema y varios pasajes de solo. 

 

Stanley Turrentine • Hustlin' (RVG-edition)

Review by Scott Yanow

This is a typically excellent recording from the husband-wife team of tenor saxophonist Stanley Turrentine and organist Shirley Scott. With assistance from guitarist Kenny Burrell, bassist Bob Cranshaw, and drummer Otis Finch, Turrentine (who always had the skill of playing melodies fairly straight but with his own brand of soul) and Scott dig into "Love Letters," Lloyd Price's "Trouble," "Something Happens to Me," a couple of basic originals, and "Goin' Home." The Turrentine-Scott team never made an unworthy disc; all are easily recommended, including this one.

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Revisión por Scott Yanow

Esta es una grabación típicamente excelente del equipo de marido y esposa del saxofonista tenor Stanley Turrentine y la organista Shirley Scott. Con la ayuda del guitarrista Kenny Burrell, el bajista Bob Cranshaw, y el baterista Otis Finch, Turrentine (quien siempre tuvo la habilidad de tocar melodías bastante claras pero con su propia marca de soul) y Scott se suman a "Love Letters," Lloyd Price's "Trouble, "" Algo me pasa ", un par de originales básicos y" Goin 'Home ". El equipo de Turrentine-Scott nunca hizo un disco indigno; Todos son fácilmente recomendables, incluido este.

Jakob Bro And Joe Lovano • Once Around The Room A Tribute To Paul Motian

 

 
jakobbro.com ...
joelovano.com ...

 

Donald Byrd, Yusef Lateef, Barry Harris • Complete Recordings

 

 

John Patton • Accent On The Blues

Seven of the ten tracks here were cut in 1969 by organist Patton, guitarist Blood Ulmer, drummer Leroy Williams and Marvin Cabell on tenor sax, sax, cello and flute. During the final three tracks, two previously unreleased, Patton is joined by tenorman George Coleman. Patton didn't receive the attention in the '60s and '70s paid to Jimmy Smith, Jack McDuff, Groove Holmes and Jimmy McGriff, but few B-3 players could approach him. His relaxed work, while always bluesy, was and is consistently fresh. His phrases may seem familiar, but aren't cliches. He's also got an excellent left hand, and really knows when to punctuate with it, and structures his solos lucidly. John composes well, too. His sophisticated tunes are, like his playing, deceptively simple.

Even at this early stage in his career Ulmer's impressive, displaying a strong Wes Montgomery influence while improvising inventively and with discipline. Coleman, in good form, plays rich, many-noted phrases. Like him, Cabell's been marked by John Coltrane. Although he doesn't have anything like Coleman's chops, Marvin's thoughtful playing is worth hearing. ~ Harvey Pekar

Most John Patton albums are hard-driving, edgy soul-jazz and funk, and the title of Accent on the Blues makes the record seem like it would be no different than his other sessions. Accent On The Blues CD music Of course, that isn't the case. Accent on the Blues is among the most atmospheric music Patton has ever made. While it stops short of being free, it's hardly funky soul-jazz, and that may disappoint some fans of his rip-roaring style. Nevertheless, the album is a rewarding listen, primarliy because it displays a more reflective side of his talent, demonstrating that he can hold his own among the likes of guitarist James Blood Ulmer and saxophonist Marvin Cabell. ~ Stephen Thomas Erlewine

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Siete de las diez canciones aquí fueron cortadas en 1969 por el organista Patton, el guitarrista Blood Ulmer, el baterista Leroy Williams y Marvin Cabell en saxo tenor, saxo, cello y flauta. En los tres últimos temas, dos de ellos inéditos, Patton está acompañado por el tenor George Coleman. Patton no recibió la atención que en los años 60 y 70 se le prestó a Jimmy Smith, Jack McDuff, Groove Holmes y Jimmy McGriff, pero pocos jugadores de B-3 pudieron acercarse a él. Su trabajo relajado, aunque siempre azul, era y es constantemente fresco. Sus frases pueden parecer familiares, pero no son clichés. También tiene una excelente mano izquierda, y realmente sabe cuando puntuar con ella, y estructura sus solos lúcidamente. John también compone bien. Sus sofisticadas melodías son, como su forma de tocar, engañosamente simples.

Incluso en esta etapa temprana de su carrera, Ulmer es impresionante, mostrando una fuerte influencia de Wes Montgomery mientras improvisa con inventiva y disciplina. Coleman, en buena forma, toca frases ricas y con muchas notas. Como él, Cabell ha sido marcado por John Coltrane. Aunque no tiene nada que ver con las chuletas de Coleman, vale la pena escuchar la forma de tocar de Marvin. ~ Harvey Pekar

La mayoría de los álbumes de John Patton son duros, soul-jazz y funk, y el título de Accent on the Blues hace que el disco parezca que no sería diferente de sus otras sesiones. La música del CD de Accent On The Blues Por supuesto, ese no es el caso. Accent on the Blues es una de las músicas más atmosféricas que Patton ha hecho. Aunque no llega a ser gratis, no es un soul-jazz funky, y eso puede decepcionar a algunos fans de su estilo rip-roaring. Sin embargo, el álbum es una escucha gratificante, sobre todo porque muestra un lado más reflexivo de su talento, demostrando que puede sostenerse entre los gustos del guitarrista James Blood Ulmer y el saxofonista Marvin Cabell. ~ Stephen Thomas Erlewine

James Moody • Sax & Flute Man

 

 

For over six decades, saxophone master James Moody has serenaded lovers with his signature song Moody's Mood for Love an improvisation on the chord progressions of I'm in the Mood for Love.

Born in Savannah, Georgia on March 26, 1925, and raised in Newark, New Jersey, James Moody took up the alto sax, a gift from his uncle, at the age of 16. Within a few years he fell under the spell of the deeper more full- bodied tenor saxophone after hearing Buddy Tate and Don Byas perform with the Count Basie Band at the Adams Theater in Newark, New Jersey.

In 1946, following service in the United States Air Force, Moody joined the seminal bebop big band of Dizzy Gillespie, beginning an association that - on stage and record, in orchestras and small combos - afforded a young Moody worldwide exposure and ample opportunity to shape his improvisational genius. Upon joining Gillespie, Moody was at first awed, he now admits, by the orchestra's incredible array of talent, which included Milt Jackson, Kenny Clark, Ray Brown, Thelonius Monk. The encouragement of the legendary trumpeter-leader, made his mark on the young saxophonist. His now legendary 16-bar solo on Gillespie's Emanon alerted jazz fans to an emerging world-class soloist.

During his initial stay with Gillespie, Moody also recorded with Milt Jackson for Dial Records in 1947. One year later he made his recording debut as a leader James Moody and His Bop Men for (Blue Note).

In 1949 Moody moved to Europe where in Sweden he recorded the masterpiece of improvisation for which he is renowned, Moody's Mood for Love.

Returning to the States in 1952 with a huge “hit” on his hands, Moody employed vocalist Eddie Jefferson. Also, working with him during that period were Dinah Washington and Brook Benton.

In 1963 he rejoined Gillespie and performed off and on in the trumpeter's quintet for the remainder of the decade.

Moody moved to Las Vegas in 1973 and had a seven year stint in the Las Vegas Hilton Orchestra, doing shows for Bill Cosby, Ann-Margaret, John Davidson, Glen Campbell, Liberace, Elvis Presley, The Osmonds, Milton Berle, Redd Foxx, Charlie Rich, and Lou Rawls to name a few.

Moody returned to the East Coast and put together his own band again - much to the delight of his dedicated fans. In 1985, Moody received a Grammy Award Nomination for Best Jazz Instrumental Performance for his playing on Manhattan Transfer's Vocalese album thus setting the stage for his re-emergence as a major recording artist.

Moody's 1986 (RCA/NOVUS) debut Something Special ended a decade-long major label recording hiatus for the versatile reedman. His follow-up recording, Moving Forward showcased his hearty vocals on What Do You Do and his interpretive woodwind wizardry on such tunes as Giant Steps and Autumn Leaves.

Music is more than a livelihood to Moody, so much so that portions of Sweet and Lovely, dedicated to his wife, Linda, figured prominently in the saxophonist's wedding ceremony on April 3, 1989. As well as being on the album, Gillespie was best man at the wedding for his longtime friend. The bride and groom walked down the aisle to Gillespie's solo on Con Alma then everyone exited the church to the vamp on Melancholy Baby. As their first act of marriage Linda and James Moody took communion accompanied by the groom's recording of Sweet and Lovely. In 1990, Moody and Gillespie received a Grammy Award Nomination for their rendition of Gillespie's Get the Booty, which showcases scatting at its best. Moody returns the soprano sax to his woodwind arsenal on Honey, his nickname for his wife, Linda, and Moody's last recording for (RCA/NOVUS).

On March 26th, 1995 Moody got the surprise of his life with a birthday party in New York. It was an evening of historical significance for Jazz with many guest stars and Bill Cosby as the emcee. It can be heard on Telarc's recording, Moody's Party— James Moody's 70th, Birthday Celebration, Live at the Blue Note.

In 1995 Moody's (Warner Bros.) release of Young at Heart, was a tribute to songs that are associated with Frank Sinatra. With an orchestra and strings many people feel this is among the most beautiful of all James Moody recordings.

Moody's last recording for Warner Bros. is Moody Plays Mancini which showcases Moody on all of his horns and flute. A tribute to the American icon Henry Mancini.

Moody's 2004 release of Homage on the Savoy Label has been a great cause for celebration. His first new studio album in 6 years, the aptly named Homage is a tribute to Moody featuring new tunes specially written for him by the likes of Joe Zawinul, Chick Corea, Kenny Barron, Horace Silver, Herbie Hancock, David Hazeltine and Marc Copland. Bob Belden produced the project.

Whether Moody is playing the soprano, alto, tenor, or flute, he does so with deep resonance and wit. Moody has a healthy respect for tradition, but takes great delight in discovering new musical paths, which makes him one of the most consistently expressive and enduring figures in modern jazz today. To quote Peter Watrous of the New York Times, “As a musical explorer, performer, collaborator and composer he has made an indelible contribution to the rise of American music as the dominant musical force of the twentieth century.”
https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-moody

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Durante más de seis décadas, el maestro del saxofón James Moody ha dado una serenata a los enamorados con su canción emblemática Moody's Mood for Love, una improvisación sobre la progresión de acordes de I'm in the Mood for Love.

Nacido en Savannah, Georgia, el 26 de marzo de 1925, y criado en Newark, Nueva Jersey, James Moody tomó el saxo alto, un regalo de su tío, a los 16 años. En pocos años cayó bajo el hechizo del saxo tenor, más profundo y con más cuerpo, después de escuchar a Buddy Tate y Don Byas actuar con la Count Basie Band en el Adams Theater de Newark, Nueva Jersey.

En 1946, tras prestar servicio en las Fuerzas Aéreas de los Estados Unidos, Moody se unió a la seminal big band de bebop de Dizzy Gillespie, iniciando una asociación que -en el escenario y en el disco, en orquestas y pequeños combos- proporcionó a un joven Moody una exposición mundial y una amplia oportunidad para dar forma a su genio improvisador. Al incorporarse a Gillespie, Moody se sintió al principio asombrado, según admite ahora, por la increíble variedad de talentos de la orquesta, que incluía a Milt Jackson, Kenny Clark, Ray Brown y Thelonius Monk. El estímulo del legendario trompetista-líder, hizo mella en el joven saxofonista. Su ahora legendario solo de 16 compases en el Emanon de Gillespie alertó a los aficionados al jazz sobre un solista emergente de talla mundial.

Durante su estancia inicial con Gillespie, Moody también grabó con Milt Jackson para Dial Records en 1947. Un año más tarde, hizo su debut discográfico como líder James Moody and His Bop Men para (Blue Note).

En 1949 Moody se trasladó a Europa, donde grabó en Suecia la obra maestra de la improvisación por la que es conocido, Moody's Mood for Love.

Al regresar a Estados Unidos en 1952 con un gran "éxito" entre manos, Moody contrató al vocalista Eddie Jefferson. También trabajaron con él durante ese periodo Dinah Washington y Brook Benton.

En 1963 se reunió con Gillespie y actuó de forma intermitente en el quinteto del trompetista durante el resto de la década.

Moody se trasladó a Las Vegas en 1973 y estuvo siete años en la Orquesta del Hilton de Las Vegas, haciendo espectáculos para Bill Cosby, Ann-Margaret, John Davidson, Glen Campbell, Liberace, Elvis Presley, The Osmonds, Milton Berle, Redd Foxx, Charlie Rich y Lou Rawls, por nombrar algunos.

Moody regresó a la Costa Este y volvió a formar su propia banda, para deleite de sus entregados fans. En 1985, Moody recibió una nominación a los premios Grammy a la mejor interpretación instrumental de jazz por su participación en el álbum Vocalese de Manhattan Transfer, lo que sentó las bases para su resurgimiento como artista discográfico importante.

El debut de Moody en 1986 (RCA/NOVUS), Something Special, puso fin a una década de parón discográfico de este versátil músico de caña. Su siguiente disco, Moving Forward, mostró su voz en What Do You Do y su habilidad interpretativa con los instrumentos de viento en temas como Giant Steps y Autumn Leaves.

La música es más que un medio de vida para Moody, hasta el punto de que partes de Sweet and Lovely, dedicada a su esposa, Linda, ocuparon un lugar destacado en la ceremonia de boda del saxofonista el 3 de abril de 1989. Además de participar en el álbum, Gillespie fue el padrino de la boda de su viejo amigo. Los novios se dirigieron al altar con el solo de Gillespie en Con Alma, y todos salieron de la iglesia con el vampiro de Melancholy Baby. Como primer acto de matrimonio, Linda y James Moody tomaron la comunión acompañados por la grabación del novio de Sweet and Lovely. En 1990, Moody y Gillespie recibieron una nominación a los premios Grammy por su interpretación de Get the Booty de Gillespie, que muestra el scatting en su máxima expresión. Moody devuelve el saxo soprano a su arsenal de viento-madera en Honey, su apodo para su mujer, Linda, y la última grabación de Moody para (RCA/NOVUS).

El 26 de marzo de 1995 Moody recibió la sorpresa de su vida con una fiesta de cumpleaños en Nueva York. Fue una velada de importancia histórica para el jazz, con muchas estrellas invitadas y Bill Cosby como maestro de ceremonias. Se puede escuchar en la grabación de Telarc, Moody's Party- James Moody's 70th, Birthday Celebration, Live at the Blue Note.

En 1995, Moody (Warner Bros.) publicó Young at Heart, un homenaje a las canciones asociadas a Frank Sinatra. Con una orquesta y cuerdas, muchos consideran que se trata de una de las grabaciones más bellas de James Moody.

La última grabación de Moody para Warner Bros. es Moody Plays Mancini, que muestra a Moody con todos sus instrumentos de viento y flauta. Un homenaje al icono americano Henry Mancini.

El lanzamiento en 2004 de Homage en el sello Savoy ha sido un gran motivo de celebración para Moody. Su primer nuevo álbum de estudio en 6 años, el acertado nombre de Homage, es un tributo a Moody que incluye nuevas melodías escritas especialmente para él por gente como Joe Zawinul, Chick Corea, Kenny Barron, Horace Silver, Herbie Hancock, David Hazeltine y Marc Copland. Bob Belden ha producido el proyecto.

Tanto si Moody toca la soprano, el alto, el tenor o la flauta, lo hace con profunda resonancia e ingenio. Moody siente un sano respeto por la tradición, pero se complace en descubrir nuevos caminos musicales, lo que le convierte en una de las figuras más expresivas y duraderas del jazz moderno actual. En palabras de Peter Watrous, del New York Times, "Como explorador musical, intérprete, colaborador y compositor, ha hecho una contribución indeleble al ascenso de la música americana como fuerza musical dominante del siglo XX".
https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-moody

Johnny Coles • Little Johnny C

 

Biography
by Scott Yanow
A fine trumpeter with a distinctive cry, Johnny Coles long had the ability to say a lot with a few notes. He played with a few top R&B bands, including Eddie "Cleanhead" Vinson (1948-1951), Bull Moose Jackson (1952), and Earl Bostic (1955-1956); was with James Moody's group (1956-1958); and appeared on several Gil Evans records between 1958-1964. Probably his most significant association was with the 1964 Charles Mingus Sextet that toured Europe. Also in the group were Eric Dolphy, Clifford Jordan, Jaki Byard, and Dannie Richmond. Coles can be seen holding his own against those giants on a European television show (available on a Shanachie video), but he had to leave the tour halfway through due to a sudden illness. He also played with Herbie Hancock's sextet (1968-1969), Ray Charles (1969-1971), Duke Ellington (1971-1974), Art Blakey's Jazz Messengers (briefly in 1976), Dameronia, Mingus Dynasty, and the Count Basie band when it was under Thad Jones' leadership (1985-1986), but fame managed to elude him. Coles led sessions through the years for Epic, Blue Note, Mainstream, and finally for Criss Cross, before passing away from cancer.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-coles-mn0000201232/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Johnny Coles, un excelente trompetista con un grito distintivo, tuvo durante mucho tiempo la capacidad de decir mucho con unas pocas notas. Tocó con algunas de las mejores bandas de R&B, como Eddie "Cleanhead" Vinson (1948-1951), Bull Moose Jackson (1952) y Earl Bostic (1955-1956); estuvo con el grupo de James Moody (1956-1958) y apareció en varios discos de Gil Evans entre 1958-1964. Probablemente su asociación más significativa fue con el Sexteto de Charles Mingus de 1964, que realizó una gira por Europa. En el grupo también estaban Eric Dolphy, Clifford Jordan, Jaki Byard y Dannie Richmond. Se puede ver a Coles enfrentándose a esos gigantes en un programa de televisión europeo (disponible en un vídeo de Shanachie), pero tuvo que abandonar la gira a mitad de camino debido a una repentina enfermedad. También tocó con el sexteto de Herbie Hancock (1968-1969), Ray Charles (1969-1971), Duke Ellington (1971-1974), Art Blakey's Jazz Messengers (brevemente en 1976), Dameronia, Mingus Dynasty y la banda de Count Basie cuando estaba bajo la dirección de Thad Jones (1985-1986), pero la fama le fue esquiva. Coles dirigió sesiones a lo largo de los años para Epic, Blue Note, Mainstream y, finalmente, para Criss Cross, antes de fallecer de cáncer.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-coles-mn0000201232/biography

Stan Getz & Bill Evans • Verve 833 802-2

Review:

The only studio meeting between Stan Getz and Bill Evans took place over two days in 1964, with the aggressive drummer Elvin Jones and either Richard Davis or Ron Carter on bass. It is peculiar that Verve shelved the results for over a decade before issuing any of the music, though it may have been felt that Getz and Evans hadn't had enough time to achieve the desired chemistry, though there are memorable moments. The punchy take of "My Heart Stood Still," the elegant interpretation of "Grandfather's Waltz," and the lush setting of the show tune "Melinda" all came from the first day's session, with Davis on bass. (Evidently he was unavailable the following day, so Carter replaced him.) Evans' driving, challenging "Funkallero" is the obvious highlight from day two, though the gorgeous "But Beautiful" and the breezy setting of "Night and Day" are also enjoyable. Only the brief version of "Carpetbagger's Theme," which seems badly out of place and suggestive of the label's interference with the session, is a bit of a disappointment. Obviously neither Getz nor Evans liked the tune, as they go through the motions in a very brief performance. [Some reissues add three unissued alternate takes, though additional material from the sessions was included in the box set The Complete Bill Evans on Verve.]

by Ken Dryden

https://www.allmusic.com/album/stan-getz-bill-evans-mw0000194941

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Revisión:

La única reunión de estudio entre Stan Getz y Bill Evans tuvo lugar durante dos días en 1964, con el agresivo baterista Elvin Jones y Richard Davis o Ron Carter al bajo. Es curioso que Verve archivara los resultados durante más de una década antes de publicar la música, aunque puede que se pensara que Getz y Evans no habían tenido tiempo suficiente para lograr la química deseada, aunque hay momentos memorables. La contundente toma de "My Heart Stood Still", la elegante interpretación de "Grandfather's Waltz", y la exuberante puesta en escena de la melodía del espectáculo "Melinda", todo vino de la sesión del primer día, con Davis en el bajo. (Evidentemente no estaba disponible al día siguiente, así que Carter lo reemplazó.) La conducción de Evans, desafiando a "Funkallero" es el obvio punto culminante del segundo día, aunque el magnífico "But Beautiful" y el ambiente ventoso de "Night and Day" también son agradables. Sólo la breve versión de "Carpetbagger's Theme", que parece muy fuera de lugar y sugiere la interferencia de la etiqueta en la sesión, es un poco decepcionante. Obviamente ni a Getz ni a Evans les gustó la melodía, ya que se mueven en una actuación muy breve. [Algunas reediciones añaden tres tomas alternas no emitidas, aunque el material adicional de las sesiones se incluyó en el set de la caja The Complete Bill Evans on Verve.]

por Ken Dryden

https://www.allmusic.com/album/stan-getz-bill-evans-mw0000194941

Arnett Cobb • Party Time

 

Review by Scott Yanow
Tenor saxophonist Arnett Cobb, who was inactive between 1957 and 1958 due to a serious auto accident, recorded three strong albums for Prestige during the first half of 1959. This CD reissue is the only one of the trio that features Cobb as the only horn and backed by a pianist (Ray Bryant) instead of an organ player. With bassist Wendell Marshall, drummer Art Taylor and Ray Barretto on conga completing the group, most of the focus is on Cobb's tough yet flexible tenor. Such songs as "When My Dreamboat Comes Home," "Blues in the Closet" and a remake of "Flying Home" make this the definitive Arnett Cobb album from the era. Highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/party-time-mw0000177104

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Reseña de Scott Yanow
El saxofonista tenor Arnett Cobb, que estuvo inactivo entre 1957 y 1958 debido a un grave accidente automovilístico, grabó tres sólidos álbumes para Prestige durante la primera mitad de 1959. Esta reedición en CD es la única del trío que cuenta con Cobb como único trompa y respaldado por un pianista (Ray Bryant) en lugar de un organista. Con el bajista Wendell Marshall, el batería Art Taylor y Ray Barretto a la conga completando el grupo, la mayor parte de la atención se centra en el tenor duro pero flexible de Cobb. Canciones como "When My Dreamboat Comes Home", "Blues in the Closet" y una nueva versión de "Flying Home" hacen de éste el álbum definitivo de Arnett Cobb de la época. Muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/party-time-mw0000177104

Johnny Coles • Katumbo (Dance)

 

Biography
by Scott Yanow
A fine trumpeter with a distinctive cry, Johnny Coles long had the ability to say a lot with a few notes. He played with a few top R&B bands, including Eddie "Cleanhead" Vinson (1948-1951), Bull Moose Jackson (1952), and Earl Bostic (1955-1956); was with James Moody's group (1956-1958); and appeared on several Gil Evans records between 1958-1964. Probably his most significant association was with the 1964 Charles Mingus Sextet that toured Europe. Also in the group were Eric Dolphy, Clifford Jordan, Jaki Byard, and Dannie Richmond. Coles can be seen holding his own against those giants on a European television show (available on a Shanachie video), but he had to leave the tour halfway through due to a sudden illness. He also played with Herbie Hancock's sextet (1968-1969), Ray Charles (1969-1971), Duke Ellington (1971-1974), Art Blakey's Jazz Messengers (briefly in 1976), Dameronia, Mingus Dynasty, and the Count Basie band when it was under Thad Jones' leadership (1985-1986), but fame managed to elude him. Coles led sessions through the years for Epic, Blue Note, Mainstream, and finally for Criss Cross, before passing away from cancer.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-coles-mn0000201232/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Johnny Coles, un excelente trompetista con un grito distintivo, tuvo durante mucho tiempo la capacidad de decir mucho con unas pocas notas. Tocó con algunas de las mejores bandas de R&B, como Eddie "Cleanhead" Vinson (1948-1951), Bull Moose Jackson (1952) y Earl Bostic (1955-1956); estuvo con el grupo de James Moody (1956-1958) y apareció en varios discos de Gil Evans entre 1958-1964. Probablemente su asociación más significativa fue con el Sexteto de Charles Mingus de 1964, que realizó una gira por Europa. En el grupo también estaban Eric Dolphy, Clifford Jordan, Jaki Byard y Dannie Richmond. Se puede ver a Coles enfrentándose a esos gigantes en un programa de televisión europeo (disponible en un vídeo de Shanachie), pero tuvo que abandonar la gira a mitad de camino debido a una repentina enfermedad. También tocó con el sexteto de Herbie Hancock (1968-1969), Ray Charles (1969-1971), Duke Ellington (1971-1974), Art Blakey's Jazz Messengers (brevemente en 1976), Dameronia, Mingus Dynasty y la banda de Count Basie cuando estaba bajo la dirección de Thad Jones (1985-1986), pero la fama le fue esquiva. Coles dirigió sesiones a lo largo de los años para Epic, Blue Note, Mainstream y, finalmente, para Criss Cross, antes de fallecer de cáncer.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-coles-mn0000201232/biography

VA • Blue Note Plays Monk's Music